Официальный сайт рок-группы АэроволнА г. Саратов

ЛАСКАВИЙ ТРАВЕНЬ
"Ласкавий травень" - феномен вітчизняної поп-культуры, з яким багато хто зв'язує і становлення шоу-бізнесу в Росії. На початку 90-х група підлітків, що співає тужливо-ліричні пісні під акомпанемент дешевих синтезаторів і ритм-боксов, стала кумиром молоді, збирала стадіони, продавала свої записи немислимими накладами і викликала істерію у прихильниць шкільного віку. Як відзначають спостерігачі, "активістки-відмінниці на їх концертах забували про все, кричали, ридали і інколи навіть розмахували нижньою білизною", а значки з лицем соліста "Ласкавого травня" Юрія Шатунова замінили піонерську і комсомольську символіку.

Організував групу в 1986 році оренбурзький поет і композитор Сергій Кузнецов, що зібрав в місцевій школі-інтернаті 2 ВІА, солістом якого став тринадцятирічний Юріївна Шатунов. Хлопчик народився в Башкирії, в чотири роки став сиротою. Героїчні зусилля по запису музичного матеріалу, нарешті, знайшли свої плоди: у лютому 1988 року в рундуках звукозапису з'явився перший магнитоальбом, абсолютно надзвичайний успіх, що несподіваним чином отримав. Всенародна любов і визнання не завставили себе чекати. Групу бере під своє крило хтось Андрій Разін, який перевозить музикантів до Москви і берета на себе функції музичного керівника. Продюсером стає Аркадій Кудряшов з групи "Міраж". У січні 1989 року по ЦТ вперше демонструється кліп "Білі троянди", навколо ансамблю зачинається справжній ажіотаж, концерти збирають "Лужникі" і "Олімпійський", а в хит-парадах "Ласкавий травень" змагається з "Кіно" і "Наутілусом".

Проте усередині групи назрівав конфлікт - Сергій Кузнецов покидає групу і створює новий проект "Мама", Андрій Разін же продовжує нещадно експлуатувати музикантів, використовуючи "конвеєрний" метод роботи. В результаті групу покидають останні учасники оригінального складу - Костянтин Пахомов і Сергій Серков, а Шатунів переходить під керівництво Кудряшова. Біля "Ласкавого травня" з'являється величезна кількість двійників, який роз'їжджали по країні з гастролями і співали під фонограму. Сам Шатунів вирішує закінчити навчання, і на початку 1992 "Ласкавий травень" розпадається остаточно. Потім в житті Шатунова зачинається складний період, посилений скандалами і розбіжностями з колишнім "керівництвом". Доля деяких інших учасників ансамблю виявилася ще трагічнішою. Згадуючи своє минуле, Юрій говорить, що життя у складі "ЛМ" було для нього суцільним пеклом і трохи не довела до самогубства. Тепер він хоче довести всім, що став іншим і збирається прагнути тільки вперед. У 2002 році що подорослішав Шатунів представляє публіці нову програму "Сива ніч"; однойменний альбом стає одним з безумовних хітів літнього сезону.

Російський диригент. Народився в Москві 4 травня 1931 в сім'ї диригента Н.П.Аносова і співачки, соліста Всесоюзного радіо Н.П.Рождественськой. Закінчивши Центральну музичну школу при консерваторії як піаніст по класу Л.Н.Оборіна, вчинив в 1950 до нього ж в консерваторію і паралельно займався диригуванням під керівництвом отця. У 1951 стажувався у Великому театрі, в тому ж році дебютував з виконання творів Чайковського в Ленінграді; у конснерваторні роки керував студентським оркестром, виступав з ним на молодіжних фестивалях. Подальше артистичне життя Різдвяного впродовж багатьох років була пов'язана з Великим театром, де він працював в 1951-1960 і 1978-1983; у 1965-1970 був головним диригентом, а з вересня 2000 по червень 2001 - генеральним художнім директором Великого театру.

Одночасно Різдвяний працював диригентом Московського музичного камерного театру (1974-1985), запрошеним диригентом оркестрів Бі-Бі-Сі, Стокгольмській філармонії, Віденського симфонічного і так далі У 1961-1974 керував Великим симфонічним оркестром Всесоюзного радіо. З 1976 - професор Московської консерваторії. Лауреат безлічі російських і іноземних премій.

Різдвяний, поза сумнівом, самий інтелектуальний і культурний диригент свого покоління. Його репертуар практично не знає стильових і хронологічних кордонів; список зіграних ним прем'єр грандіозний; він рівно переконливий і в чисто симфонічних жанрах, і в жанрах синтетичних, володіє особливо гострим відчуттям театральності - як при виконання обпер і балетів, так і на концертній естраді. Віддаючи належне класиці, російській і зарубіжній, Різдвяний завжди був прекрасним інтерпретатором нової музики, від Прокофьева до Шнітке. Гостре відчуття особливостей сучасного мислення, здатність миттєво схоплювати і транслювати оркестру суть будь-якого нового стилю є відмінними рисами цього майстра. Володіючи неабияким літературним даруванням, Різдвяний нерідко виступав перед своїми концертами з поясненнями до виконуваних програм. Він автор декількох книг про музику і диригентському мистецтва, а також книги спогадів.

Дмитро Хворостовський (баритон) - народний артист Росії (1995), заслуженого на артиста РФ (1990), лауреата Державної премії (1991), лауреата премії Профспілок в області художньої творчості (1991).

Дмитро Хворостовський став відомий всьому світу після тріумфальної перемоги на телевізійному конкурсі ВВС "Співець миру" в Кардіффе (1989, Великобританія), де був удостоєний титулу "Кращий голос" і отримав єдиний приз. У тому ж році відбувся легендарний дебют Хворостовського в престижному лондонському Wigmore Hall, відмічений "Times" крилатою фразою: "Прийшов, заспівав, переміг!". В даний час співець з сім'єю (дружиною Флоранс і двома дітьми) живе в Лондоні.

Дмитро Хворостовський народився в 1962 р. в Красноярську, освіту здобув в Красноярському педагогічному училищі ім. А.М.Горького і Красноярського інституту мистецтв (клас проф. Е.К.Іофель). У 1985-1990 рр. працював в Красноярському державному театрі опери і балету. У 1987 р. завоював 1-у премію на Всесоюзному конкурсі співців ім. М.І.Глінки, в 1988 р. - Гран-прі на Міжнародному конкурсі співців в Тулузе (Франція).

Після дебютів в Лондоні і Нью-Йорку (Alice Tully Hall, 1990) Дмитро стає одним з самих затребуваних баритонів у всьому світі. Він постійно виступає в кращих оперних театрах, у тому числі Royal Opera House Covent Garden (Лондон), Bayerische Staatsoper (Мюнхен), La Fenice (Венеція), Deutsche Staatsoper (Берлін), La Scala (Мілан), Wiener Staatsoper (Відень), Colon (Буенос-Айрес), Metropolitan Opera (Нью-Йорк), Chatelet (Париж), Маріїнськом театрі (Санкт-Петербург), в престижних концертних залах - таких, як Queen’s Hall (Едінбург), Carnegie Hall і Avery Fisher Hall (Нью-Йорк), Великий зал Московської консерваторії, Великий зал Санкт-петербурзької філармонії, Musikverein (Відень) і ін. Дмитро до цього дня залишається бажаним гостем-учасником найбільших музичних фестивалів в Зальцбурге, Празі ("Празька весна"), Санкт-Петербурзі ("Зірки білих ночей") і ін.

У репертуарі співця - більше 30 провідних оперних партій, у тому числі Онегин ("Євгеній Онегин" Чайковського), Єлець ("Пікова пані" Чайковського), Брудною ("Царська наречена" Рімського-корсакова), Жермон ("Травіата" Верді), Граф ди Луна ("Трубадур" Верді), Ріголетто ("Ріголетто" Верді), Рікардо ("Пуритани" Белліні), Сильвіо ("Блазні" Леонкавалло), Дон Жуан і Лепорелло ("Дон Жуан" Моцарта), Фігаро ("Севільський цирульник" Россіні), Валентин ("Фауст" Гуно) і ін.

Не меншу увагу співець приділяє і камерній вокальній музиці (романси Чайковського, Бородіна, Рімського-корсакова, Рахманінова, Рубінштейна, Глінки, пісні зарубіжних композиторів, арії епохи бароко, російські народні пісні), а також вокально-симфонічним циклам (зокрема, Малера), кантатно-ораториальным жанрам. Дмитро Хворостовський визнаний неперевершеним виконавцем музики Георгія Свірідова, який свій цикл "Петербург" на вірші А.Блока присвятив співцеві.

У 1999 р. в Канаді Хворостовський вперше звернувся до нового для себе жанру, знявшись у фільмі-опері по "Дон Жуану" Моцарта відразу в двох партіях.

Дмитро Хворостовський випустив більше 20 альбомів на фірмі Philips Classics, а в даний час активно співробітничає з компанією Delos (США). У 1992 р. збірка "Очі чорні" (російські народні пісні і романси у супроводі Оркестру народних інструментів ім. Осипова під управлінням Миколи Калініна) був визнаний одним з найбільш успішних в Європі і США. Останній за часом виходу диск Хворостовського - "Пісні військових років" - записаний літом 2003 р. в Москві.

Сергій Васильович Рахманінов народився 1 квітня 1873 року в Новгородській губернії. Перші уроки гри на фортепіано і перші музичні заняття почалися з чотирилітнього віку і минали під керівництвом матери.

У 1882 році сім'я Рахманінових переселилася до Петербургу, і хлопчик був відданий в Петербурзьку консерваторію в клас професора Демянського. У 1885 році сім'я переїхала до Москви. З цією обставиною пов'язаний був перехід Рахманінова в Московську консерваторію. Тут він навчався під керівництвом спочатку Н.С. Зверева, а потім А.І. Зілоті в області фортепіано. А.С. Аренський і С.І.Танєєв навчали його музичній теорії і композиторській техніці. Рахманінов закінчив Консерваторію в 1892 році із золотою медаллю, представивши як екзаменаційну роботу одноактну оперу "Алеко" на сюжет поеми Пушкіна "Цигани". У тому ж році ця опера була поставлена в Москві на сцені Великого театру. З нею автор виступив незабаром і як диригент в Київському оперному театрі.

Забігаючи вперед, варто сказати, що Рахманінов виявляв вже на початку творчого шляху себе і як прекрасний диригент. На початку композиторської і виконавської діяльності диригентське мистецтво приваблювало його: у 1897-1898 роках він служив диригентом в приватній ("мамонтовской") опері в Москві, а з 1904 по 1906 рік займав такий же пост в московському Великому театрі. Пізніше він майже не виступав в цій якості.

Із зими 1892 року почалися публічні виступи Рахманінова як піаніста. І він швидко показав свої неабиякі здібності. Вже в ті роки гра його відрізнялася яскравістю, силоміць, багатством і повнотою звучання, блиском і гостротою ритму, захоплюючою виразністю і владно впокорюючою вольовою напруженістю, що приковує увагу.

Визнання Рахманінову як талановитому симфоністові вперше принесла оркестрова фантазія "Кручу", написана в 1893 році. У відгуках друку на першого виконання фантазії наголошувалися поетичність настрою, багатство і тонкість гармонії, яскравість оркестрових фарб. Поза сумнівом, індивідуальний і притому привабливий композиторський почерк Рахманінова відчувається вже по-перше юнацьких дослідах.

Несподівана пауза настала в 1897 році, після невдалого виконання Першої симфонії Рахманінова - твору, в який композитором було вкладено багато праці і душевній енергії, що не зрозумів більшістю музикантів і майже одностайно засудженого на сторінках друку, навіть висміяного деякими з критиків. Провал симфонії став глибокою психічною травмою для Рахманінова; по власному, пізнішому визнанню, він "був подібний до людини, яку схопив удар і біля якого на довгий час віднялися і голова і руки". Три подальших роки були роками майже повного творчого мовчання, але одночасно і зосереджених роздумів, критичної переоцінки всього раніше зробленого. Результатом цієї напруженої внутрішньої роботи композитора над самим собою з'явився незвичайно інтенсивний і яскравий творчий підйом на початку нового століття.

Впродовж перших трьох-чотирьох років що настав XX століття Рахманіновим була створена лава чудових по своїй глибокій поетичності, свіжості і безпосередності натхнення творів різних жанрів, в яких багатство творчої фантазії і своєрідність авторського "почерку" з'єднуються з високою закінченою майстерністю.

П'ять років відокремлюють Другий фортепіанний концерт Рахманінова, закінчений в 1901 році, від його попереднього фортепіанного твору - Шести музичних моментів. Композитор предстає в цьому новому своєму творі як зрілий майстер, що склався, з яскраво вираженою індивідуальністю і виробленою манерою листа. Рахманінов показав себе в нім крупним оригінальним художником, "вільним від всякої вишуканості і в той же час володарем всіх засобів новітньої техніки".

Концерт, що приніс її авторові заслужений на успіх, був по праву визнаний кращим російським фортепіанним концертом після си-бемоль-минорного концерту Чайковського. Але, при збереженні наступних зв'язків із спадщиною Чайковського і інших росіян і зарубіжних композиторів XIX століття, рахманиновский концерт містить багато нового як в своїх образних буд і засобів музичного вираження, так і в самому трактуванні жанру. Можна було б назвати його натхненною лирико-патетической поемою для фортепіано з оркестром.

У один час з концертом створювалася Друга сюїта, недивно, що вона в окремих своїх моментах перекликається з ним по характеру музики, хоча завдання, що стояло в даному випадку перед композитором, було інша. Це твір ще один безперечний творчий успіх Рахманінова.

Скромніша по масштабу симфонічна кантата, або вокально-симфонічна поема "Весна" (1902), написана на слова вірша Н.А. Некрасова "Зелений шум". Твір цей виявився співзвучним тим "весняним" настроям, пов'язаним з підйомом визвольних сподівань і очікуванням близьких змін, якими були охоплені широкі круги російського суспільства на початку 1900-х років.

Складнішою виявилася доля два подальших крупних творів Рахманінова - обпер "Скупий лицар" і "Франческа та Ріміні", вперше показаних на сцені Великого театру в один вечір 11 січня 1906 року. Зустрінуті з великим інтересом, вони разом з тим викликали багато суперечок і розбіжностей в їх оцінці.

Обидва твори були багато в чому нові і незвичайні з погляду традиційних норм оперної драматургії XIX століття, що склалися. Як і "Алеко", вони відрізняються стислістю, стислістю форми, відсутністю розгорненої дії, що поступово розвивається: вся увага сконцентрована на небагатьох найважливіших його моментах і переживаннях одного-двух найголовніших дійових осіб. Але якщо там це визначалося характером отриманого завдання, то в "Скупому лицарі" і "Франчесці" було результатом вільного вибору композитора.

Опера "Франческа та Ріміні" виявилася останній біля Рахманінова. Задумана в кінці 1906 року нова опера "Монна Ванна" по однойменній п'єсі Метерлінка залишилася нескінченою. Написавши першу її дію, композитор по якихось причинах відмовився від продовження цієї роботи і надалі не звертався до оперного жанру. Можливо, цьому сприяв його від'їзд до Дрезден, де Рахманінов прожив три зими, влітку повертаючись додому, або досить часті виступи його в той період в Европе як піаніста і диригента.

Особливе місце в творчості композитора займають романси. У них Рахманінов предстає іншою стороною своєї творчої зовнішності. Переважною сферою його камерної вокальної творчості була лірика, мир особистих відчуттів і настроїв. Винятковим багатством, барвистістю і різноманітністю форм відрізняється фортепіанний супровід і в романсах Рахманінова. До найбільш популярних відносяться - "Бузок", "Не співай, красуня", "Весняні води", "Ніч сумна", "Уривок з Мюссе", "Я знову самотній".

Тільки через десять років після важкого нервового потрясіння, пов'язаного з неуспіхом Першої симфонії, Рахманінов знов звернувся до цього жанру, створивши свою Другу симфонію. Цього разу як московська, так і петербурзька преса одностайно визнала високі художні достоїнства нового твору. Одін із столичних критиків порівнював появу рахманиновской симфонії за значенням з першого виконання "Патетичної" Чайковського, називаючи Рахманінова гідним наступником цього великого майстра.

Твором меншого Масштабу, але интересным і багато в чому новим для Рахманінова з'явилася симфонічна картина "Острів мертвих" по однойменному живописному полотну А. Бекліна або, точніше, створена під його враженням. У відгуках друку на першого виконання "Острова мертвих" наголошувалося, що в музиці цього рахманиновского твору немає того застиглого спокою небуття, яке панує біля Бекліна, в ній чуються швидше за муку, стогони і відчай Дантова пекла в з'єднанні з пристрасним жаданням життя.

Найважливішим етапом в творчому розвитку Рахманінова стало створення в 1909 році Третього фортепіанного концерту. Не поступаючись своєму попередникові по свіжості натхнення, мелодійному багатству і красі тим, Третій концерт носить на собі друк більшої зрілості і зосередженості думки. Асафьев вважав, що саме з Третього концерту почалося остаточне формування "титанічного стилю рахманиновской фортепианности" і риси "наївно романтичної фактури", властиві раннім творам композитора, повністю долаються їм.

У тому ж році Рахманінов вперше успішно гастролює в США. З 1909 року і по 1912 рік він обіймає посаду інспектора російської музики при Головній дирекції Російського музичного суспільства.

У 1910 році Рахманінов звертається до духовної музики. Він пише Літургію св. Іоана Златоуста. Рахманінов не прибігає в своїй Літургії до знаменному і інших одноголосних розспівів Древньої Русі, створюючи "вільну" композицію, в якій виражає своє розуміння сенсу літургійного дійства, своє особисте відношення до богослужебних текстів. Композитор прагне до створення високохудожньої церковної музики, яка, не порушуючи благоговійної простоти і строгості богослужебного чину, в той же час володіла б самостійною естетичною цінністю.

Вокально-симфонічна поема "Дзвону" на вірші Едгара По в російському переказі К.Д. Бальмонта, написана в пору високої творчої зрілості Рахманінова в 1913 році, по значності свого задуму і майстерності його втілення належить до найбільш видатних зразків російської музики переддня Першої світової війни. Напружено експресивний, неспокійний характер музики "Дзвонів" обумовлений передчуттям прийдешніх трагічних змін. У чотирьох її частках представлений життєвий шлях людини від повної надій і очікувань юності до сумної кончини. Дзвін дзвонів, звучних то ясно і радісно, то тривожно і зловісно, як грізне попередження, то глухо і похмуро, символізує різні етапи цього шляху.

Подібним настроєм пройнято і наступний твір композитора - "Цілонічне пильнування". "Найзначнішим створенням Рахманінова є дивовижна музика його "Всеношної" для хору без інструментального супроводу, - вважав Асафьев. - "Всеношна" разом з тим виявляється поки і найвищим досягнутим творчим досвідом, де композитор, немов під впливом духовного одкровення, відмітає все випадкове, наносне, мелколичное і стикається з глибиною народного і древнерелигиозного свідомості. Співучість або пісенна текучість виявляється в кожній миті звучань "Всеношної", створює напружену, живо відчутну наявність життєвого потоку, що струмує безмежно і в щедрому єдиному світлому пориві того, що зливає (що переробляє) всяку особисту пристрасть, скорботу, сум'яття в цілісне, в об'єднуючу течію".

Жовтнева революція застала Рахманінова за переробкою його Першого концерту. Багато хто тоді вважав, що переворот в Росії тимчасовий. Рахманінов же думав, що це кінець старої Росії і що йому, як артистові, нічого іншого не залишається, як покинути батьківщину. Він вважав, що життя без мистецтва для нього безцільне. Боявся, що в ломці, що настала, мистецтво, як таке, існувати не може і що всяка артистична діяльність припиняється в Росії на багато років. Тому він скористався таким, що прийшов несподівано з Швеції пропозицією виступити в концерті в Стокгольмі. В кінці 1917 року він разом з дружиною Наталією Олександрівною і дітьми покидає Росію.
Спочатку він їде до Парижа, потім перебирається до Швейцарії. З 1935 року композитор живе в США. Настає нова перерва в творчості Рахманінова, цього разу значно триваліший, ніж попередній. Тільки через ціле десятиліття композитор повертається до твору музики, зробивши обробку трьох російських народних пісень для хору і оркестру і завершивши Четвертий фортепіанний концерт, початий ще напередодні Першої світової війни.

Рахманінов болісно сумував по батьківщині, постійно роздумуючи про те, чи не зробив він помилку, покинувши батьківщину. Він жадібно цікавився всім, що приходило з Радянського Союзу, і його інтерес до своєї оновленої батьківщини був щирий, глибокий. Він читав книги, газети і журнали, що приходили з СРСР, збирав радянські пластинки. Особливо любив він слухати російські пісні у виконанні чудового Червонопрапорного ансамблю.

Можливо, все це послужило поштовхом для поступового відродження творчості Сергія Васильовича, що створив в 1930-і роки такі прекрасні твори, як "Симфонічні танці", Рапсодія на тему Паганіні і особливо Третя симфонія.

Літо 1934 року принесло композиторові довгожданий творчий успіх. Всього за сім тижнів Рахманінов створив одне з найбільш блискучих своїх творів - Рапсодію для фортепіано з оркестром на тему скрипкової п'єси Никколо Паганіні.

У Третій симфонії, завершеній в 1936 році, узагальнюються кращі рахманиновские властивості. Вона, без жодного сумніву, крупне явище в еволюції національно російського симфонізму. Симфонія, натхненна лірикою і гімнами захоплення і любові, звернена до великої батьківщини композитора - Росії.

Ще одна вершина того періоду - "Симфонічні танці" (1940). Рахманінов, завжди дуже строго і що критично відносився до своїх творів, інакше відносився до "Симфонічних танців". Він до кінця життя любив їх, ймовірно, вважаючи за свій кращий твір, і радів, коли дізнавався, що той або інший диригент хоче їх виконувати. Він сподівався, що відомий хореограф М.М. Фокин поставить балет на цю музику. Вони не раз обговорювали цю ідею, але здійснити намір - поставити балет на музику "Симфонічних танців" Рахманінова - із-за смерті Фокина, що послідувала літом 1942 року, так і не удалося.

Останній концертний сезон Рахманінова - 1942-1943 років - зачався 12 жовтня сольним концертом в детройті. Весь збір з концерту 7 листопада в Нью-Йорку, в сумі 4046 доларів, Сергій Васильович, як робив до цього не раз, знову віддав на потреби війни: частка пішла американському Червоному Хресту, частка була передана через генерального консула - Росії, країні, яку він ніколи не забував.

Після важкої хвороби Рахманінов помер в крузі своїх близьких в Беверлі Хилз 28 березня 1943 року.

Вокальні дані Лучано Паваротті представляються рідкісними. У нього чистий, проникливий голос, що поєднує металевий блиск і трепетну красу тембру, широту діапазону і плавність переходів від одного регістра до іншого. Природна музичність доповнюється вимогливим смаком і відчуттям ансамблю, які вироблені роками. Все це дає підстави знавцям прирівняти його до кращих вокалістів сьогодення і минулого.

Народився Лучано Паваротті 12 жовтня 1935 року в італійському місті Модена. Хоча батьки Лучано і не були музикантами, все дитинство хлопчика минуло під спів його отця, біля якого був справжній оперний баритон. Він міг би зробити справжню музичну кар'єру, але страшно боявся сцени і погоджувався виступати тільки в маленьких залах, де в основному збиралися близькі і знайомі. Отець Паваротті до цих пір не відмовляється співати на невеликих вечірках, куди його часто запрошують. Кар'єру оперного співця за нього зробив його син.

У юні роки майбутній артист отримував особливе задоволення, слухаючи записи знаменитих співців, у тому числі Ді Стефано, так само як і, втім, і Маріо Ланца, якого він дуже вправно імітував. Разом з отцем Лучано хлопчиком співав в хорі оперного театру в рідному місті, а літніми вечорами виконував імпровізовані серенади під акомпанемент гітари. У 18 років Паваротті записався на курси вчителів співу, а два роки опісля зрозумів, що музика є його покликанням. Сталося це після того, як отець і син Паваротті у складі любительського колективу взяли участь в хоровому фестивалі в Ланголлене (Уельс) і були удостоєні вищої нагороди. З тих пір Лучано зачав старанно удосконалювати вокальну техніку під керівництвом педагогів А. Пола і Э. Кампогальяні.

У 1961 році Паваротті вперше переміг на конкурсі вокалістів - Акилла Пері в Реджо-нель-Эмилия, - і в тому ж році відбувся його сценічний дебют. Він виступив на сцені оперного театру в тому ж містечку.

"Я дуже хвилювався, коли вперше співав (партію Рудольфа. - Прим. авт.) в 1961 році в Реджо-нель-Эмилия у супроводі оркестру в «Богемі». Я тоді ще вчився співу, але вже знав цю музику напам'ять. Коли ж знову почув її звуки, пережив потрясіння. Наступного року я співав в Палермо в «Ріголетто» з Тулліо Серафіном, і вперше цей крупний диригент зацікавився мною.

.Хотя я переміг на конкурсі Акилла Пері в 1961 році і дістав можливість заспівати в «Богемі» в постановці театру Реджо-нель-Эмилия, моя кар'єра могла тут же і закінчитися. Я добре стиглий того вечора, але якщо ти нікому не відомий, то, як би добре ти не співав, про це швидко забувають. Мені ж просто повезло, що того вечора на спектакль прийшов (послухати іншого співця) дуже відомий міланський агент Алессандро Зіліані. Коли я став його клієнтом і він зачав підшукувати мені роботу, то я відчув, що майбутнє мені посміхається і ми з Адуєй нарешті можемо одружитися. Отже, в той, 1961, рік я виступив з дебютом в опері, одружувався і, що саме головне, придбав свій перший автомобіль".

Декілька сезонів молодий співець виступав на сценах провінціальних театрів Італії і інших країн Европи, зокрема в Голландії і Великобританії. Він повний віри в себе і не хоче задовольнятися малим. Коли «Ла Скеля» запропонував йому стати дублером зірок першої величини, він рішуче відмовився: «Я подумав, що коли вже співати в „Ла Скеля“, то потрібно входити в цей храм мистецтва через під'їзд для солістів». Якраз в цей час сталася подія, що багато в чому визначила його долю. У 1963 році йому довелося замінити в «Богемі» на сцені лондонського «Ковент-гарден» хворого Ді Стефано. Диригував Р. Боніндж, а партнеркою співця стала Джоан Сазерленд - одна з кращих співачок XX століття.

Важливим етапом в діяльності Паваротті став дебют на сцені прославленого міланського театру «Ла Скеля». Співець згадує: «Інше незабутнє враження перших років моєї кар'єри відноситься до 1965 року, коли я вперше виступив з Гербертом фон Караяном в „Ла Скеля“, де співав партію Рудольфа в „Богемі“. Одного це вже було б вистачає для початкуючого тенора, але в тому ж році я відправився в турне по Австралії з Джоан Сазерленд. Виступи з Джоан, біля якої я вчився віртуозному володінню технікою і переконливості на сцені, були надзвичайно важливі для мене».

Незабаром Паваротті став солістом трупи «Ла Скеля». У 1968 році Паваротті дебютує в Америці і з тих пір входить до числа кращих тенорів миру, чий календар розписаний приблизно на два роки вперед.

Яка сила мистецтва Паваротті, змогли зрозуміти глядачі, що прийшли в один з вечорів 1969 року в Оперний театр Сан-Франциско. В розпал третьої дії «Богеми» в залі пролунав гуркіт. Будівля зачала стрясатися, закачалися люстри. У паніці частка глядачів схоплюється з місць і кидається до виходів. У цей момент на сцені знаходиться Паваротті в ролі Рудольфа. Він нахиляється до суфлерської будки і питає: «Що трапилося?» «Землетрус», - чує він у відповідь. Артист міцніше стискує в обіймах партнерку і продовжує співати в повний голос. Зал поступово затихає, публіка втихомирюється.

Якщо свою кар'єру Паваротті зачинав як типовий ліричний тенор, що вільно «плавав у водах бельканто», то з часом до його достоїнств додалася упевнена майстерність, голос придбав темброве багатство і повноту.

«Його голос - феноменальний інструмент, одне з чудес природи, які з'являються дуже рідко, може бути раз в сто років», - говорить Р. Боніндж.

Проте Паваротті ніколи не кидається в крайнощі і небезпечні експерименти. Кожну партію він готує ретельно і поступово. Характерний, що Вільгельма Телля в опері Россіні він спочатку стиглий в студії грамзапису, де обстановка куди спокійніша, ніж на сцені, і лише потім виніс на суд публіки. Після ретельної підготовки він виступив в таких ролях, як Радамес і Лоенгрін.

Потім почав співати в «Любовному напої», «Богемі», «Ернані», «Балі-маскараді», «Луїзі Міллер», «Турандот», «Кармен», «Вертере», «Ідоменєє» і лаві інших опер. Сьогодні в його репертуарі приблизно сорок партій в різних спектаклях.

Сам Паваротті говорить, що розучування нової ролі для нього завжди зв'язане з певними психологічними труднощами, - адже в його пам'яті зберігаються не лише оперні партії, але і церковна музика, народні пісні, популярні в дні його молодості.

Словом, зараз Лучано Паваротті - один з найзайнятіших співців миру: він не лише співає в опері і на концертній естраді, але і багато записується, у тому числі і разом з піп - і рок-звездами першої величини.

З деякими з них Паваротті зв'язує довга дружба, і є декілька пісень, які вони завжди співають разом. Так, з відомою американською актрисою і співачкою Лайзой Мінеллі він виконав хіт «Нью-Йорк, Нью-Йорк», а разом з Елтоном Джоном - «Живи як кінь». Любить Паваротті виступати і із Стінгом. Свого часу він співав і з іншими кумирами сучасної музики - П. Каас, Би. Адамсом, музикантами з групи «Куїн». Співець склав два диски з таких спільних виступів. Всього ж Паваротті записав більше ста дисків.

Подією в оперному житті 1990 року, і не лише, став спільний виступ трьох знаменитих тенорів - Домінго, Каррераса і Паваротті.

Ось що пише сам Паваротті:"Думка влаштувати концерт в Римі під час чемпіонату світу по футболу прийшла двом італійцям - імпресаріо Маріо Драді і режисерові Фердінандо Пінто, пов'язаному з римським театром «Петручеллі» і з оперним театром в Барі. Якщо врахувати щільні графіки наших виступів, то концерт був підготовлений дивно швидко. Всі стверджували, що нас неможливо зібрати, що під час чемпіонату ми будемо зайняті. Але організатори дуже постаралися, і все вийшло.

Виступати трем тенорам в концерті - справа абсолютно нова. Я захоплювався і Пласидо, і Хосе. Але ми ніколи не співали разом ні в опері, ні навіть в концерті. Не дивлячись на лаву складнощів і розбіжностей - з найпершого дня довелося вирішувати дуже багато проблем, - все йшло чудово. Наприклад, потрібно було вирішити, хто і що співатиме. Могли бути утруднення: адже двоє з нас можуть захотіти заспівати одну і ту ж арію або пісню. На щастя, складання програми минуло гладко.

Набагато складніше опинилося приготувати велике попурі для нашого виконання. Було б дивно брати участь в одному концерті і не заспівати разом. Але що? У музичній літературі немає нічого написаного відразу для трьох тенорів. Жоден композитор не розраховував на такого виконання. Ми повинні були замовити попурі спеціально для себе. Пласидо для цього було потрібно власний аранжувальник. Нам з Хосе було все одно. Проте мені не дуже сподобалося те, що зробила ця людина. На мою думку, аранжування були складні, якщо врахувати, що нас чекало тільки декілька коротких репетицій. Тут ми посперечалися, але врешті-решт нам удалося все улагодити. Не зовсім, звичайно.

.Невозможно описати цей вечір. Терми Каракалли здавалися неймовірно прекрасними в світлі юпітерів, встановлених для телезйомки. Більш рельєфними стали архітектурні деталі, не настільки виразні вдень. Серед публіки, що зібралася в Римі на чемпіонат світу, було присутньо багато знаменитостей: серед них були король і королева Іспанії.

Стояв прекрасний тихий вечір, в повітрі віяло прохолодою. Я знав, що, як тільки кожен з нас виконає свою першу арію, все буде добре. Під час співу Хосе послав рукою поцілунок літаку, що пролітав над містом, - напруга спала, і всім стало весело. Вже тоді я відчув захоплений прийом публіки, а коли ми, закінчуючи концерт, заспівали попурі, зрозуміли, що успіх - повний!

З тієї пори знамените тріо виступило ще на трьох чемпіонатах світу по футболу. Швидше за все, останній його виступ відбувся в червні 2002 року в Японії. Як сказав Паваротті, він збирається закінчити співати в 70 років, тобто в 2005 році.

Вільний час співець як і раніше проводить в крузі сім'ї, в рідній Модене. "Звичайно, одруження на Адує - це краще, що мені удалося зробити в житті, - пише Паваротті. - Після весілля ми продовжували боротися, але вже як дорослі: тепер це були бої за щось. До цього ж двоє юних закоханих просто випробовували один одного, избавляясь від надлишку енергії.

Небагато жінок могли б примиритися з життям оперного співця, як змогла це зробити Адуа. У нас удома завжди люди, багато хто з них не знайомий з дружиною і дочками. Одні приходять, щоб допомогти мені розучувати роль, інші - щоб узяти інтерв'ю. Останніми роками у мене постійно удома збираються організатори кінно-спортивного шоу або філадельфійського вокального конкурсу. Все це перетворює наш будинок на якийсь прохідний двір, але Адуа ніколи не скаржиться".

Газети в середині 90-х років із захопленням описували скандальну історію романа Паваротті. Адуа спокійно віднеслася і до цієї інтрижки свого чоловіка з секретаркою, яка удвічі молодше за знаменитого співця.

На початку 80-х років Паваротті вперше знявся в кіно, виконавши роль співця в музичній комедії «Та, Джорджо», теж непогано справившись зі своїм завданням.

Пластинки із записами Паваротті розходяться мільйонними накладами. Глядачі різних континентів захоплюються його майстерністю, а критики дають йому найпалкіші оцінки.

Помер Паваротті в 2007 році в своєму рідному місті Модене.